DZAMA, MARCEL

Marcel Dzama (nacido en 1974 en Winnipeg, Manitoba, Canadá) es un artista que vive y trabaja en Nueva York. Su obra ha sido expuesta internacionalmente, en particular sus dibujos en tinta y acuarela.

Dzama también trabaja intensamente en escultura, pintura, collage y el cine. El artista también es conocido por sus dioramas estrechamente concebidos y polyptychs de gran escala que sacar de su talento en una amplia gama de medios de comunicación. Dzama trabaja en múltiples disciplinas para traer su elenco de figuras humanas y animales híbridos imaginarios a la vida y ha desarrollado una reputación internacional y siguiente para su arte que representa mundos imaginarios, anacrónicas. El artista también es conocido por su trabajo con The Royal Art Lodge.

Trabajo de Dzama ha sido utilizado en las portadas de una serie de álbumes, en particular la cosa por They Might Be Giants, Guero por Beck y la reconstrucción de la humanidad por la Weakerthans. Sus diseños de vestuario también pueden verse en los videos de música para la canción de Bob Dylan "When the Deal Goes Down", la canción N.A.S.A. "El árbol de la gente" y la canción de departamento de águilas "Nadie Does, Like You", que también codirigió. McSweeney ha publicado dos colecciones de su trabajo, los años de Berlín en 2003 (reimpreso en 2006) y un seguimiento, el Berliner Ensemble gracias You All, en 2008.

Dzama recibió su licenciatura de la Universidad de Manitoba. Desde 1998, Dzama ha sido representado por David Zwirner en Nueva York, en la que ha tenido exposiciones individuales.

Dzama historias es una pieza de música inspirada por Marcel Dzama compositor Ed Bennett. Es música amplificada ensemble, electrónica y improvisador decibelios y Paul Dunmall.

http://www.richardhellergallery.com/dynamic/artist.asp?ArtistID=3

YUSKAVAGE, LISA

Yuskavage (nacida el 16 de mayo de 1962) es una pintora contemporánea estadounidense que vive y trabaja en Nueva York. Su pintura figurativa al óleo es conocida por su compromiso con la forma femenina.

Yuskavage nació en Pennsylvania y estudió en la escuela de arte de Tyler, Temple University, Filadelfia, donde recibió su licenciatura en 1984. Obtuvo su maestría en 1986 de la escuela de arte de la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut. Es representada por David Zwirner, Nueva York.

http://www.davidzwirner.com/artists/

YDAÑEZ, SANTIAGO

Santiago Ydáñez (Puente de Génave, Jaén, 1969) es un pintor español.

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Granada y ha realizado talleres entre otros con Juan Genovés. Ha recibido importantes distinciones y es actualmente uno de los pintores jóvenes españoles con mayor proyección internacional. Obtuvo entre otros el Premio de Pintura ABC en 2002 y Premio de Pintura Generación 2002 de Caja Madrid, la Beca del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura en 2001 y la Beca de la Fundación Marcelino Botín en 1998. Recientemente, junto con otros cuatro artistas originarios de la península Ibérica como el fotógrafo Sergio Belinchón (Valencia, 1971), han autogestionado una iniciativa para mostrar sus últimos trabajos en Berlín. El espacio se denomina Invaliden1 Galerie y encuentra ubicado en el centro de la ciudad en el distrito de Mitte. Santiago Ydáñez actualmente vive y trabaja en Berlín (Alemania) y Granada (España).

http://www.santiagoydanez.com/

XIAOGANG, ZHANG

Zhang nació en la ciudad de Kunming, en la provincia China de Yunnan, en 1958. En los años 60 y 70 los levantamientos políticos conocidos como la Revolución Cultural ejercieron una cierta influencia en su pintura. En 1982, se graduó de la Academia de Bellas Artes de Sichuan en la ciudad de Chongqing, en la provincia de Sichuan, luego se unió a un grupo de jóvenes de jóvenes pintores de vanguardia que vino a la prominencia durante la década de 1980. Como Wang Guangyi, Xu Beihong y Wu Guanzhong, Zhang Xiaogang es un artista chino más vendido y el favorito de coleccionistas extranjeros. En 2007, un lienzo suyo se vendió por 6 millones de dólares en Sotheby.

Está representado por la Galería Pace en Nueva York y Beijing y la comuna de Beijing en Beijing para sus impresiones.

En cuanto a las influencias de los levantamientos políticos de China en sus pinturas, dijo Zhang, "para mí, la Revolución Cultural es un estado psicológico, no es un hecho histórico. Tiene una conexión muy estricta con mi infancia, y creo que hay muchas cosas que une la psicología del pueblo chino hoy con la psicología del pueblo chino en aquel entonces.

En relación con el formato de retrato similar de las obras, señaló, "posando para una fotografía, personas ya muestran una cierta formalidad. Ya es algo artificial. Lo que hago es aumentar esta artificialidad y este sentido del formalismo".

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/zhang_xiaogang.htm

WILLIAMS, SUE

La pintora norteamericana Sue Williams (Chicago, 1954) ha pasado por etapas muy diferentes antes de llegar a una abstracción gestual como la que practica ahora. Poco queda de aquella figuración combativa contra el sexismo en el arte que la dio a conocer a principios de la década de los 90. ésta es su primera muestra individual en España, aunque ya pudimos ver algunos de sus trabajos en la colectiva de obras del Whitney Museum organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona en 1997. En la presente exposición se incluye una serie de dibujos a la tinta, en los que todavía aparecen esbozados algunos fragmentos de desnudos eróticos. En sus telas recientes, Sue Williams abandona las referencias a la realidad para refugiarse en una pintura gestual, llenando de arabescos amarillos, rojos, azules, beiges o negros, la tela cubierta de pintura blanca. Es un trabajo elegante y no exento de lirismo, que lleva la huella de diferentes estilos, desde el automatismo de André Masson, hasta la escritura simbólica de Miró, pasando por la pintura abstracta de sus maestros, los norteamericanos Willem de Kooning y Philip Guston.
http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/17640/Sue_Williams

VETTRIANO, JACK

Nacido en Fife, Escocia, en 1951, Jack Vettriano dejó la escuela a los 16 años para convertirse en un ingeniero de minas. Para su vigésimo primer cumpleaños, una novia le dio un conjunto de pinturas de acuarela y, luego de que pasó gran parte de su tiempo libre a sí mismo para pintar.

En 1989, presentó dos obras a la exposición anual de la Real Academia Escocesa; ambas fueron aceptadas y vendidas el primer día. Al año siguiente, una reacción igualmente entusiasta saludó las tres pinturas, que ingresó a la prestigiosa exposición de verano en la Royal Academy de Londres y su nueva vida como artista comenzó desde ese momento el.

En los últimos veinte años, interés en el trabajo de Vettriano ha crecido constantemente. Ha habido exposiciones de venta en Edimburgo, Londres, Hong Kong y Nueva York.

2004 fue un año excepcional en la carrera de Vettriano; su pintura más conocida, el mayordomo de canto fue vendido en Sotheby para cerca a £ 750.000; concedieron un OBE por servicios a las artes visuales y fue objeto de un documental de South Bank Show, titulado ' Jack Vettriano: pintor del pueblo '.

Desde 1994 hasta 2007, Vettriano estuvo representada por Portland Gallery de Londres, pero la relación terminado en junio de 2007. En 2008, Vettriano emprendió una gran variedad de proyectos privados, incluyendo el lanzamiento de un nuevo libro, vida de estudio y comisiones para pintar retratos de Sir Jackie Stewart y Zara Phillips, el último de los cuales fue parte de un proyecto de recaudación de fondos de caridad para el alivio del deporte, la experiencia de la que fue capturada en una emisión de documental en BBC1 en marzo de 2008.

En 2009, Vettriano fue encargado por el Yacht Club de Mónaco para crear una serie de pinturas con motivo del centenario de su yate famosos del mundo, Tuiga. La exposición posterior, 'Homenaje un Tuiga', se estrenó en Mónaco como parte de la semana de yate clásico en septiembre de 2009, antes de la gira en el Reino Unido en 2010.

En 2010, una exposición de más de cuarenta nuevas pinturas, "Días de vino y rosas", fue inaugurado oficialmente en el Museo de Kirkcaldy & Galería de arte en Fife, primer ministro, el Rt Hon Alex Salmond SNP. La exposición viajó luego a Londres, apertura al desamor en septiembre de 2010.

En diciembre de 2011, autorretrato de Vettriano, 'El peso', fue expuesto a largo plazo en la Scottish National Portrait Gallery de Edimburgo, cuando reabrió después de un programa mayor de tres años de remodelación.

Vettriano divide su tiempo entre sus casas en Fife, Londres y Niza.

http://www.jackvettriano.com/

TUYMANS, LUC

Luc Tuymans (nacido en 1958) es un artista que vive y trabaja en Amberes, Bélgica. Tuymans es considerado uno de los pintores más influyentes que trabajan hoy en día. Sus pinturas figurativas firma transforman mediada por cine, televisión y fuentes de impresión en exámenes de la historia y la memoria.

Tuymans surgió en un momento cuando no había muchos pintores contemporáneos nuevos haciendo, o utilizando pinturas imagística; otros incluyen John Currin o Elizabeth Peyton.Temas van Tuymans desde grandes acontecimientos históricos, como el Holocausto o la política del Congo belga, a la intrascendencia y banal - fondos de escritorio de patrones, decoración navideña, objetos de uso cotidiano. Tuymans primero hizo su marca en la década de 1980, cuando comenzó a explorar los recuerdos de Europa de la Segunda Guerra Mundial con pinturas duras y elegantes como cámara de Gas (1986), que representa el campo de concentración de Dachau. El artista más tarde despertó interés en 2000 con su serie de pinturas políticas tituladas Mwana Kitoko ("niño bonito"), que tienen temas de la visita de estado del rey Balduino de Bélgica en el Congo en la década de 1950. Las obras fueron exhibidas en el año 2000 en la Galería de David Zwirner y al año siguiente en el pabellón belga en la Bienal de Venecia. La pintura más destacada fue del propio rey en su uniforme militar blanco.

Escasamente color de Tuyman, figurativo normalmente están pintados con trazos de pincel flota de pintura húmeda sobre pintura húmeda en una escala modesta derivan sus súbditos de imágenes preexistentes que incluye fotografías y video stills y a menudo aparecen ligeramente fuera de foco. El desenfoque es realmente fuerte porque, a diferencia de con Gerhard Richter, es borrado no fuera sino sólo pintado. Tuymans trabaja en serie, un método por el cual una imagen puede generar otro y donde imágenes pueden formularse y luego reformulados. Continuamente analiza y destilen sus imágenes, realizando dibujos, fotocopias y acuarelas antes de realizar las pinturas al óleo de alta intensidad. Dos primeras series son el ciclo Die Zeit (tiempo) (1988) sobre el Holocausto; Heimat ('patria' en alemán) (1996), pinturas que Tuymans esboza una imagen irónica de la renovada conciencia de la nacionalista flamenca; y la serie de pasión (1999) sobre la esencia de las creencias religiosas. Entre 2007 y 2009 Tuymans trabajó en un tríptico, que comenzó con Les empezaban y restauración (2007) sobre el poder de la orden jesuita; continuó con Forever. La administración de la magia, relacionados con los fenómenos del mundo Walt Disney; y terminaba con contra el día (2009), una serie de televisión realidad.

En la documenta 11 en 2002, donde la selección de ese año de trabajo se centró en obras de arte con comentario político o social, muchos esperaban Tuymans realizar nuevas obras en respuesta a los atentados de Nueva York el 11 de septiembre de 2001. En su lugar presenta un simple bodegón ejecutado de forma masiva, ignorando deliberadamente toda referencia a los acontecimientos mundiales, llevando a críticas negativas.

http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/luc_tuymans.htm

TOLEDO, FRANCISCO

Es un experto impresor, dibujante, pintor, escultor y ceramista. Su arte y plástica refleja una gran apreciación por la estética de la naturaleza, particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza (murciélagos, iguanas, sapos, insectos). La visión moral de Toledo afirma que el mundo de los humanos y el de los animales son uno con la naturaleza. Toledo muestra un sentido de lo fantástico muy bien desarrollado al crear criaturas híbridas, parte humanas y parte animal, a la vez monstruosas y juguetonas, sus hermosos papalotes, libretas artesanales, máscaras, joyería e intrínsecos grabados son otra muestra de su genialidad.

Francisco Benjamín López Toledo (Juchitán, Oaxaca,17 de julio de 1940) es un pintor mexicano

Considerado uno de los mejores artistas vivos de México, Francisco Toledo es inigualable.
http://www.franciscotoledo.net/

SLEIGH, SYLVIA

Sylvia Sleigh (nacida Sylvia trineo Alloway; 08 De mayo de 1916, Llandudno, Gwynedd, Gales, murió el 24 de octubre de 2010, ciudad de Nueva York)  pintora realista estadounidense. Después de estudiar en la escuela de arte de Brighton, tuvo su primera exposición individual en 1953 en la Galería de arte de Kensington.

Se casó con Lawrence Alloway, crítico de arte, antes de trasladarse a Estados Unidos en la década de 1960 cuando se convirtió en un curador en el Museo Solomon r. Guggenheim.

Alrededor de 1970, de principios feministas, pintó una serie de obras invertir estereotipadas temas artísticos por con hombres desnudos en poses normalmente asociados con las mujeres. Algunos alusión directamente a las obras existentes, tales como su versión invertida de género de Ingres el baño turco (el hombre reclinado es su marido, Laurence Alloway). Philip Golub reclinada alude asimismo a la Venus del espejo de Velázquez.

Otras obras igualar los roles de hombres y mujeres, como el Champetre de concierto de 1976, en el que todos los personajes son desnudos, a diferencia de su homónimo igualmente compuesto por Tiziano (a veces acreditado a Giorgione), en el que sólo las mujeres son. Comenta sobre sus obras: "siento que mis pinturas insistir en la igualdad de hombres y mujeres (mujeres y hombres). Para mí, las mujeres fueron retratadas a menudo como objetos sexuales en poses humillantes. Quería dar mi punto de vista. Me ha gustado a retratar a hombre y mujer como gente inteligente y reflexivo con dignidad y humanismo que hacía hincapié en amor y alegría".[5]

En 2007, en una entrevista con Brian Sherwin para Myartspace, Sylvia Sleigh fue preguntada si las cuestiones de igualdad de género en el mundo del arte convencional y el mundo en general, han cambiado para mejor. Sylvia respondió, "Creo que las cosas han mejorado para las mujeres en general que son muchas más mujeres en el Gobierno, en derecho y puestos de trabajo corporativos, pero su muy difícil en el mundo del arte de las mujeres a encontrar una galería". Según Sylvia hay todavía más que hay que hacer para que hombres y mujeres a ser tratados como iguales en el mundo del arte.

http://www.sylviasleigh.com/

 

SIKANDER, SHAZIA

Shahzia Sikander (Urdu: شازیه سکندر; nacida en 1969) es una artista de Lahore, Punjab, Pakistán. Sikander es una artista estadounidense paquistaní, ahora vive en Nueva York, que se especializa en pintura en miniatura de Mughal y pintura en miniatura persa. También ha creado murales, instalaciones, medios de comunicación mezclan obras y performances. Ella es una receptora de 2006 del programa de becarios MacArthur "concesión de genio". Obtuvo una licenciatura en 1992 en la Escuela Nacional de Artes en Lahore, Pakistán; y una Maestría en 1995 en la escuela de diseño de Rhode Island en Providence, Rhode Island.

Ella ha tenido exposiciones individuales en el Museo Hirshhorn y jardín de esculturas (1999/2000) y en la sociedad del Renacimiento en la Universidad de Chicago (1998). Su trabajo ha demostrado en exposiciones colectivas en el Museo Whitney (1999/2000 y 1999), en la tercera región Asia-Pacífico trienal de arte contemporáneo, Brisbane, Australia (1999) y en el Museo Ludwig de Colonia, Alemania (1999).

Sikander ha sido educada en la tradición de pintura en miniatura de Pakistán y combina la iconografía histórica y técnica con su propia estética, dando lugar a un híbrido de estilos tradicionales y contemporáneos. Las imágenes de su trabajo hace referencia a las tensiones que existen en el Islam, el hinduismo y el cristianismo, así como su historia personal, política y sexualidad. La religión es un elemento significativo en su arte, así como su vida personal, como ella es un musulmán practicante. Sikander explora en particular, el papel de la mujer musulmana y desafíos a la vista de los occidentales han de asociar el Islam sólo con el terrorismo y la opresión de la mujer.

Musulmanes de Pakistán trabajan y viven en América, Sikander ha explorado los estereotipos de la mujer oriental y paquistaní, y cuestiones relativas a los hindúes y los musulmanes se dividen en Pakistán y la India. Ella ha transformado una forma de arte tradicional: el género a menudo impersonal y altamente precisa de pintura en miniatura – en un contexto de arte contemporáneo, y ella con frecuencia mezcla imágenes de hindúes y musulmanes la mitología y la iconografía (como el velo musulmán y la diosa hindú multi-armed), paralelamente a la naturaleza complicada y entrelazada de la cultura y la historia de India y Pakistán.

Sikander también ha experimentado con llevar un velo en público (que ella no lo hizo antes de mudarse a los Estados Unidos) y se ha caracterizado como una forma de rendimiento.

Shahzia Sikander hizo sus estudios de pregrado en la Escuela Nacional de Artes en Lahore y recibió su maestría en Bellas Artes en 1995 de la escuela de diseño de Rhode Island.

http://www.shahziasikander.com/

SAVILLE, JENNY

Jenny Saville (Cambridge, 1970) es una pintora inglesa, miembro del grupo Young British Artists. Es conocida principalmente por sus monumentales cuadros de desnudo femenino.

Actualmente vive y trabaja entre Londres y Palermo.

Estudió en la Glasgow School of Art (1988-1992), y se le concedió una beca de seis meses para la Universidad de Cincinnati, acabando su formación en la Slade School Of Fine Art (1992-1993). Al finalizar sus estudios, su obra interesó al coleccionista Charles Saatchi, quien compró su obra completa para los próximos dos años.

Saville ha desarrollado su carrera dentro de la tradicional técnica de la pintura al óleo, en un estilo figurativo heredero de la Nueva figuración de los años 1950 y 1960, con influencia de Rubens y Lucian Freud. Desde su debut en 1992, su temática se ha centrado en el cuerpo de la mujer, en pinturas a gran escala, con figuras vistas desde perspectivas poco usuales, donde los cuerpos semejan montañas de carne que parecen llenar todo el espacio, con predilección por mostrar las zonas genitales, o por imperfecciones y heridas de la piel, con colores brillantes, intensos, dispuestos por manchas, predominando los tonos rojos y marrones. Generalmente son cuerpos obesos —frecuentemente se autorretrata a sí misma—, donde la carne forma pliegues y arrugas, con unas formas monumentales que parecen la visión que un niño tiene de un adulto. Inspirada por Courbet y Velázquez, pinta a la mujer real, de hoy día, sin ningún tipo de idealización, sin buscar la belleza, sólo la veracidad, realizando —como ella misma denomina— «paisajes del cuerpo».

http://homeofthevain.tumblr.com/post/108711567/jenny-saville-stare-against-one-of-the-studio

SASNAL, WILHELM

Wilhelm Sasnal (Tarnów, 29 de diciembre de 1972) es un artista polaco.

Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, donde se graduó en 1999. En 1996 había fundado, junto con otros artistas, un grupo al que llamaron «Ladnie», con el que buscaban alejarse de los postulados academicistas y conseguir la atención del público y de los galeristas, pero Sasnal pronto abandonó tal grupo, que acabó disolviéndose. En el año 2006, Wilhelm Sasnal ganó con tres obras cinematográficas el Premio Bienal para el Arte Contemporáneo Vincent van Gogh.

SALLE, DAVID

David Salle (Norman, Oklahoma, 1952) es un pintor estadounidense. Se le ha adscrito a diversas tendencias del arte postmoderno norteamericano, como el Neoexpresionismo, el Simulacionismo, el Bad painting o la New Image Painting.

Salle estudió en el California Institute of the Arts, donde fue alumno de John Baldessari; aquí empezó a utilizar en su pintura técnicas cinematográficas como el montaje y la pantalla dividida. Tras terminar sus estudios, se trasladó a Nueva York, donde vive y trabaja, y donde ha cosechado un enorme éxito de crítica y público.

Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supondrá una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y performances, hacia 1979 se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el vídeo, el cine, el diseño y la moda; se nutre por igual del arte clásico (artistas barrocos como Velázquez y Bernini, románticos como Géricault, impresionistas como Cézanne, expresionistas como Solana, surrealistas como Magritte y Giacometti), como del contemporáneo, en especial del pop-art, recibiendo sobre todo la influencia de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, así como la de europeos como Sigmar Polke. Asimismo, muchos aspectos compositivos de Salle recuerdan a la obra de Francis Picabia que desarrolló en los años 40.

La característica principal del estilo de Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. Suele recurrir en sus imágenes a la inserción de texto o signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Sus imágenes tienen un cierto aire ingenuo, torpe, están expresamente mal pintadas, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico.

Salle utiliza cuadros de gran tamaño, recurriendo a menudo al formato en dípticos y trípticos. A menudo crea una disposición teatral en la situación de los motivos, la ambientación y la iluminación de las escenas. Suele emplear técnicas mixtas con objetos tridimensionales, como mesas, telas estampadas y botellas. Su producción incluye asimismo escultura, cine (la película Search and Destroy) y decorados para los ballets de inspiración punk coreografiados por Karole Armitrage.

DANIËLS, RENÉ

Polifacética y compleja, la obra de René Daniëls (Eindhoven, Holanda, 1950) reactiva y reformula algunos elementos clave de las vanguardias históricas, tratando de vincular las artes visuales con la literatura y la vida cotidiana. En su trabajo desempeñan un papel fundamental la ironía, la ambigüedad y los dobles sentidos, a la vez que se desbordan las fricciones entre abstracción y figuración, entre realidad y representación. Más cercano a René Magritte, Francis Picabia, Marcel Duchamp o a Marcel Broodthaers que a los artistas neoexpresionistas de la década de los ochenta -con los que a menudo se le ha asociado-, Daniëls concibe la pintura como veladura, como un juego de apariciones y desapariciones, al tiempo que considera que la obra de arte no puede desligarse de su contexto social y que el artista tiene que huir de cualquier tentación de hermetismo y ensimismamiento.

Sus pinturas, cargadas de alusiones irónicas y referencias cruzadas que se van desvelando tras una observación minuciosa, son intrigantes y evocadoras. En estas, René Daniëls, que siempre intentó que su trabajo se mantuviera abierto a la interpretación en tantos niveles como fuera posible, juega con el lenguaje y la poesía, con la tensión entre figura y fondo, con la opacidad y la transparencia, logrando crear una atmósfera irreal y familiar, que desconcierta y cautiva a la vez. Son pinturas apelan a la imaginación y guardan un vínculo común: tan importante es aquello que se ve como lo que no se ve.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/daniels.html
http://www.hermitagemuseum.org/html_En/04/b2003/hm4_1_y_0.html

SERRA, RICHARD

Richard Serra (San Francisco, Estados Unidos; 2 de noviembre de 1939) es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Considerado uno de los mejores escultores vivos, Serra obtuvo el Premio Príncipe de Asturias 2010. De padre español —mallorquín—, y madre rusa —de Odessa— (se suicidó en 1979),[1] Serra nació en San Francisco y estudió Literatura en la Universidad de California en Berkeley y Santa Bárbara (1957-1961). Mientras vivía en la costa oeste, se mantenía trabajando en una acerería, actividad que influyó en su trabajo. Después realizó estudios de Arte en la Universidad Yale (1961-1964). Tony Serra, uno de sus dos hermanos, es un famoso abogado en San Francisco.

El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art. Sin embargo, es mejor conocido por sus construcciones minimalistas de grandes rodillos y de hojas del acero corten. Muchos de estos pedazos son autosuficientes y acentúan el peso y la naturaleza de los materiales. Rollos del plomo se diseñan para ceder en un cierto plazo. Sus esculturas de acero en exteriores, llevan un proceso inicial de oxidación, pero después de 8 a 10 años, este color se mantiene relativamente estable.

AGUILAR, SERGI

Considerado uno de los principales escultores españoles de su generación, Sergi Aguilar nació en Barcelona (1946), realizando estudios en la Escola Massana y en el Conservatori de les Arts del Llibre de Barcelona. Sus trabajos iniciales decantaron hacía el diseño y elaboración de joyas, pero en un viaje a París, atraído por la obra de Brancusi, Julio González y los constructivistas rusos, decidió definitivamente dedicarse a la escultura. Su obra, en hierro desde 1979, es una síntesis del minimalismo con el racionalismo geométrico, caracterizada por su exquisita antención al detalle.

Durante la década de los noventa, la obra de Aguilar experimenta un cambio conceptual, como describe el propio artista, "Hasta entonces mi trabajo tanto bidimensional como tridimensional se corresponde con unas estructuras geométricas relacionadas entre sí en cuanto al espacio-lugar y a su forma o manera de describirse constructivamente. Desde entonces las obras se remiten a geometrías y geografías a partir de experiencias personales producidas en diferentes viajes (nociones de orientaciones y culturas) que entran a formar parte de lo imaginario. Hay una necesidad de relacionar la obra con los límites y estructuras reales. Términos como frontera, construcción y signo son ideas básicas; son el punto de partida en estos últimos trabajos."

Dibujos y bocetos preparatorios forman una parte importante de su obra. Hechos, en gran mayoría, a partir de planos o mapas, trazan la experiencia del autor a través de viajes y signos. La integración de la fotografía u otros elementos a la obra las carga de referencias que nos acercan geométricamente a espacios, lugares de ausencias humanas cargados de misticismo. Para Sergi Aguilar el espacio supera los límites del entorno de la obra, dónde las marcas y los signos que conllevan permiten al espectador iniciar su propio viaje de descubrimiento.

La trayectoria artística de Sergi Aguilar disfruta de un largo y sólido recorrido de gran prestigio internacional. Con una larga e importante lista de exposiciones en España y el extranjero, la obra de Sergi Aguilar se encuentra entre las colecciones de los más significativos museos y colecciones institucionales, tal como el Solomon Guggenheim Museum, New York, el MACBA, Barcelona, el museo Reina Sofía, Madrid y la Fundación La Caixa, entre otros. Su obra pública se puede ver sobre todo en Catalunya, donde en Barcelona se ubican varias instalaciones monumentales.
http://www.dunev.com/artists/aguilar/aguilar1.html

MUNTADAS, ANTONI

Nace en Barcelona en 1942. Estudió en la Escuela de Ingenieros Industriales. Vive en Nueva York desde 1971. Ha estado trabajando como profesor en la Universidad de San Diego, Escuela de Bellas Artes de Burdeos y Grenoble, Escuela Nacional de Bellas Artes de París, el Instituto de Arte de San Francisco, y la Universidad de São Paulo, entre otros. También ha colaborado con el Visual Studies Workshop de Rochester (USA), el Banff Center de Canadá, Arteleku en San Sebastián, Le Studio National des Arts Contemporains Le Fresnoy (Lille Metropol), y la Universidad Western Sídney.

En 2005 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas de España. Otros premios que ha recibido: Solomon R. Guggenheim Foundation, the Rockefeller Foundation, the National Endowment for the Arts, the New York State Council on the Arts, Arts Electronica in Linz (Austria), Laser d'Or en Locarno (Suiza), el Premio de Artes Plásticas concedido por la Generalidad de Cataluña. En 2009 recibe el Premio Velázquez de Artes Plásticas.

Su obra se basa en el uso de tecnologías audiovisuales: video, internet, ordenadores con relación a los fenómenos sociales y como respuesta crítica a los mass media. Una obra suya muy conocida es el programa que realizó para TVE, en su serie Metrópolis, llamado "TVE: Primer Intento".

Ha realizado múltiples exposiciones: Bienal de Venecia, París, São Paulo(Brasil), Lyon, la documenta de Kassel, Nueva York(Museo Guggenheim, MOMA). Así como en el (MACBA) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

http://www.galeriampa.com/es/artistas/Muntadas

K, HIWA

En la década de los años ochenta, Hiwa K inicia su práctica a través de la pintura, tras una formación informal junto a otros intelectuales, músicos, dramaturgos y artistas en Irak. Residente en Alemania con estatus de refugiado político, en 1998 abandona la pintura y comienza a tocar la guitarra española después de formarse con guitarristas flamencos como Paco Peña y Paco Serrano.

Nacido en Irak, está preparando su diploma en artes visuales en la Akademie der Bildende Kunst en Mainz, Alemania. Se graduó de la escuela secundaria en Iraq y continuó su educación en los círculos de autoformación de su país de origen con otros artistas, intelectuales, músicos y artistas de teatro. Los campos principales de estos estudios informales y no sistemáticos fueron Europea literatura y filosofía, aprendido de libros traducidos al árabe.

Sus intereses giran en torno a la circulación de la cultura, los diferentes contactos entre elementos migratorios y locales, la profesionalización de la práctica artística y el mito del artista individual. Así, muchas de sus obras son el resultado de colaboraciones y tienen que ver con el proceso de enseñanza y aprendizaje como una práctica cotidiana, más que la búsqueda del conocimiento como una disciplina formal. Ha participado en eventos internacionales como Manifesta 7, en Italia.

http://www.hiwak.net/node/2

CURTO, FÉLIX

Nació en Salamanca(España) en 1967, aunque reside en México. Es fotógrafo.
Las imágenes de Félix Curto “constituyen fragmentos vitales que reciben una fuerte influencia del cine”.

Desde que Félix Curto se estableció en 1997 en México, la idea de viaje tanto como experiencia y construcción de la memoria ha sido íntimamente ligado a su trabajo. Utilizando el medio fotográfico y objetos que encuentra y colecciona, Curto revive los aspectos poéticos y nostálgicos del pasado reciente. Su obra gira en torno a la idea de viaje, físico y geográfico pero también imaginario e interior, siendo recurrentes en su fotografía temas como moteles, coches viejos, carreteras y paisajes.

Los soportes a los que recurre ponen de manifiesto la amplitud de técnicas sobre las que gravita el imaginario de Curto: fotografía de gran y mediano formato, impresión digital, duratrans y neón. Sus fotografías constituyen fragmentos de experiencias, con una fuerte influencia de las road-movies. Es frecuente que en sus exhibiciones incorpore fragmentos diarios de esos viajes: carteles, discos, letreros o cajas que son controladas y reelaboradas como parte del vocabulario personal del autor. A su vez, utiliza objetos encontrados o adquiridos a precio muy bajo: desde un jabón gastado hasta un refrigerador de los años cincuenta, sobre los cuales escribe y plasma grafismos personales.

 http://www.galeriaomr.com/es/obrafec